Waddington Custot presenta Making It, una exposición colectiva dedicada a una generación de escultoras pioneras que se destacaron a finales de los sesenta y principios de los setenta. Adoptando un enfoque inesperado de los medios elegidos: fusionando pan de oro con lino, por ejemplo, doblando metal o anudando cuerdas a mano, estos artistas desafiaron las convenciones modernistas y expandieron las concepciones de los medios y métodos apropiados para la escultura. Los artistas de la exposición incluyen a Olga de Amaral, Lynda Benglis, Françoise Grossen, Maren Hassinger, Sheila Hicks, Barbara Levittoux-Świderska, Louise Nevelson, Beverly Pepper, Mildred Thompson y Sophia Vari. Estos artistas son conocidos por trabajar a una escala ambiciosa, basándose en el enfoque de la galería en la escultura monumental.
Activas a mediados y finales del siglo XX, estas escultoras desarrollaron nuevos trabajos durante la era del feminismo de la segunda ola y dentro del contexto de la crítica feminista, defendida por críticas y curadoras como Lucy Lippard. Si bien no tiene un concepto abiertamente feminista, su trabajo no representa un retroceso de la política. Más bien, al enfrentarse a la creencia arraigada, que se mantuvo hasta bien entrada la década de 1970, de que la escultura era un medio musculoso que se adaptaba mejor a los hombres, estos artistas se opusieron a los prejuicios y las dificultades que encontraban las mujeres al intentar acceder a los espacios dominados por hombres de las fundiciones y las carpinterías . Lucy Lippard relató: “En el invierno de 1970 fui a muchos estudios de mujeres … encontré mujeres en los rincones de los estudios de hombres, dormitorios, cuartos de niños, cocinas” 1. Sin verse disminuidos por este contexto desfavorable, los escultores de Making It retoman activamente espacio con su trabajo. Extendiéndose a través de las paredes y desde el techo al piso, extendiéndose a través de la galería y colgando en el aire, estas obras prefiguran el arte de la instalación y un cambio más amplio hacia el proceso y los materiales.
Los enfoques aquí vistos también demuestran una resistencia al discurso prominente en las décadas de 1960 y 1970, en torno al arte minimalista y conceptual que abogaba por métodos radicalmente descalificados, reemplazando la experiencia espacial y visual del arte por una lingüística.
Los artistas exhibidos en Making It presentan experiencias fenomenológicas encarnadas: el movimiento ondulatorio de pan de oro y crin y lino tejidos en la obra de Olga de Amaral (n. 1932, Bogotá, Colombia) tiene un destello fascinante con la luz, mientras que para Sheila Hicks (n. 1934, Nebraska, EE. UU.), Barbara Levittoux-Świderska (n. 1933, Varsovia; m. Polonia-2019, Varsovia, Polonia) y Françoise Grossen (n. 1943, Neuchâtel, Suiza), el énfasis está en el cualidades visuales, táctiles y texturales de su material, en contraste con su utilidad. Estos artistas se encontraban entre los que despreciaban las bajas connotaciones culturales que se atribuyen a materiales como cintas y cuerdas, desarrollando nuevas instalaciones de ambiciosa escala. En las obras de Beverly Pepper (n. 1922, Nueva York, Estados Unidos; m. 2020, Todi, Italia), pionera en el uso del acero Cor-ten, cuyas esculturas en el medio son anteriores a las de Donald Judd y Richard Serra, vemos un proceso de desgarro y desgarro en la superficie de bloques de acero inoxidable con un violento físico.
Otros artistas incorporan materiales encontrados para crear esculturas revolucionarias en formas asimétricas o biomórficas: Mildred Thompson (n. 1936, Florida; d. 2003, Georgia, EE. UU.), Que vive en Alemania, encontró la libertad de los prejuicios contra su raza y género en la universalidad. de abstracción, y desarrolló ideas en torno a patrones que se encuentran dentro de los sistemas de ciencia, matemáticas y música. En las obras que se ven aquí, combina madera procedente de bosques alemanes con segmentos de madera cortados a máquina, lo que da como resultado una tensión entre las líneas curvilíneas que ocurren naturalmente en la madera y las que fueron fabricadas o pintadas. Maren Hassinger (n. 1947, California, EE. UU.), Desarrolló una práctica innovadora que desafió las nociones ortodoxas de la creación de arte mediante la adopción de materiales no tradicionales, en particular un material de firma importante, el cable metálico, con el que se topó por casualidad en Los Ángeles. patio de salvamento. Hassinger descubrió que el material podía usarse de manera escultórica.
Louise Nevelson (n. 1899, Pereiaslav, Ucrania; m. 1988, Nueva York), también usó objetos desechados en su trabajo; articuló todo su proceso artístico como una especie de alquimia; utilizando un rico pigmento negro para transformarlos en tótems místicos. Trabajando dentro de una gama de colores monocromática similar a Nevelson, Sophia Vari (n. 1940, Vari, Grecia) hace poderosas esculturas de formas entrelazadas que se inspiran en toda una vida viajando por el mundo y una fascinación por las culturas y prácticas antiguas. Una erudita e investigadora perpetua, Vari continúa innovando su práctica y recurriendo a referencias antiguas y nuevas para crear esculturas abstractas colosales talladas en mármol o fundidas en bronce.